Januar 2018

ENGLISH

A few months ago, I chanced on this masterwork in an exhibition in the Art Museum in Basel with works from the Prado. It is one of those pictures which exert fascination at first sight. The observer notices at once that an important statement is being made here with great intensity. But what statement?

Questions relating to the picture
When the picture is studied more closely, particularly if guided by knowledge of art,* it presents a number of questions:  Why is there a painter standing there alone in front of the cross? Where is Mary, and where are all the other people who are depicted in every crucifixion scene? Why is Christ much smaller in relation to the painter? Why is no wound visible in his side, or blood on his feet? Why is there no picture to be seen on which the painter is working on this moment?

Mea culpa
Only one answer is really possible here: this crucifixion scene is itself the picture on which the painter is working at this moment. The unused red on the palate and the brush suggest that the next working step will give Christ his wounds, the wounds that are still missing in the picture.
And this in turn now explains the inner attitude of the painter: with his right hand, which is about to apply the brush, he makes a “mea culpa” gesture and thus admits that he himself is guilty. Now he personally is to give Christ his wounds! This recalls the St. John Passion, where the chorus sings this:

Who has struck you in this way,
my saviour, and with torments
treated you so harshly?
You are indeed not a sinner
as we and our children are,
of wrongdoing you know nothing.

I, I, and my sins,
that are as many as grains
of sand by the sea
have provoked for you
the misery that has struck you
and the host of troubles and torment.

So this picture (as does Bach’s chorale) speaks of how each one of us is equally guilty of the death of Christ. We cannot put the blame on others. The gesture therefore expresses the artist’s regret. And what is expressed in the pious facial expression (almost over-pious for today’s taste)? I see in it a deep love and veneration for Christ. At the same time, the painter seems to say, “I must apply the brush now and paint the wounds. As a guilty person, I cannot do otherwise.”

“This is live experience, for God’s sake!”
The picture thus goes far beyond a mere representation of the crucifixion of Christ. It speaks about the artist himself. And, indirectly, it puts a question to the observer: “How about you? Do you also see yourself as one of the joint culprits, or do you stay at a refined, perhaps aesthetic distance, from the crucified Christ?” In my opinion, this picture manages a direct leap from art into the reality of faith.
Three centuries later, the author Elisabeth Langgässer wrote this to her colleague Alfred Döblin: “I read the ‘Immortal Man’ in 2 days (and half nights) and then immediately started at the beginning again. This book will get literary circles in Berlin seething, fuming and raging. For someone (who used to be one of them) to fall down before the cross and worship may be just acceptable… but for such a mind not to go through his conversion in aesthetic categories, but instead finally kneeling down like an old peasant – slightly clumsily, with stiff knees, and then praying like this: “Soul of Christ, sanctify me. Blood of Christ, inebriate me” – this is not permissible, for this is in fact live experience, for God’s sake! This is testimony! This is quite simply the personal experience and the limited truth of a man who, to compound the horror, is called Döblin. What a catastrophe!” **

Art and Life
Like Döblin, Zurbarán steps outside purely aesthetic categories. One could also say: In the “bell jar of the art world” he opens a door to the “real world”. We all notice that the art scene is often something like a bell jar which is not only capable of representing life in a wonderful way, but can also form a separating wall between “life” and “art”. Art then sublimates existence into the purely aesthetic realm and, in the worst case, keeps artists and lovers of art away from “real” life (and faith).
It is therefore good for every artist to ask these questions from time to time:Where does my life take place – in art, or also elsewhere?
Where do I still find access to faith – only in art, or also in real life?
And do I wrestle, with God’s help, to make sure my art also addresses existential questions of life and faith and encourages the wish for “live experience”?  

* These remarks by the art scholar Christof L. Diedrichs are extremely helpful: LINK
** In this point in his book “Der unsterbliche Mensch” [“Immortal Man”], Alfred Döblin has just confessed his Christian faith with an old Latin prayer (Anima  Christi, sanctifica me…). On Döblin see also TUNE IN 158: LINK

Text: Beat Rink
Translation: Bill Buchanan

Picture: Francisco de Zurbarán, The Crucified Christ and a Painter, c. 1655/60; Madrid, Museo Nacional del Prado

DEUTSCH

Vor einigen Monaten stiess ich im Rahmen einer Ausstellung im Basler Kunstmuseum, die Werke aus dem Prado zeigte, auf dieses Meisterwerk. Es gehört zu jenen Bildern, die auf den ersten Blick faszinieren. Man merkt: Hier wird mit grosser Intensität eine wichtige Aussage gemacht. Aber welche?

Fragen an das Bild
Beim genaueren, vor allem kunstwissenschaftlich angeleiteten* Betrachten wirft das Bild einige Fragen auf:  Warum steht da ein Maler allein vor dem Kreuz? Wo ist Maria und wo sind all die anderen Menschen, die bei jeder Kreuzigungsszene dargestellt sind? Warum ist Christus im Verhältnis zum Maler viel kleiner? Warum sieht man keine Seitenwunde und auch kein Blut an den Füssen? Warum sieht man kein Bild, an dem der Maler gerade arbeitet?

Mea culpa
Die Antwort kann eigentlich nur lauten: Die Kreuzigungsszene ist selber das Bild, an dem der Maler gerade arbeitet. Das ungenutze Rot auf Palette und Pinsel lassen vermuten, dass Christus im nächsten Arbeitsgang die Wunden zugefügt werden sollen, die auf dem Bild noch fehlen. Und dies erklärt nun auch die innige Haltung des Malers: Mit der rechten Hand, die gleich den Pinsel ansetzen wird, macht er eine „Mea culpa“-Geste und bekennt sich somit selber als schuldig. Er selber muss nun Christus die Wunden zufügen! Dies erinnert an die Johannespassion, wo der Chor singt:

Wer hat dich so geschlagen,
mein Heil, und dich mit Plagen
so übel zugericht’,
du bist ja nicht ein Sünder
wie wir und unsre Kinder,
von Missetaten weißt du nicht.

Ich, ich und meine Sünden,
die sich wie Körnlein finden
des Sandes an dem Meer,
die haben dir erreget
das Elend, das dich schläget,
und das betrübte Marterheer.

Das Bild spricht also (wie Bachs Choral) davon, dass jeder von uns am Tod Christi mit-schuldig ist. Wir können die Schuld nicht auf andere schieben. Deshalb liegt in der Geste des Künstlers Reue. Und was liegt im frommen (für den heutigen Geschmack fast über-frommen) Blick? Ich sehe darin eine tiefe Liebe und Verehrung für Christus. Zugleich scheint der Maler zu sagen: „Ich muss jetzt den Pinsel ansetzen und die Wunden malen. Ich kann als sündiger Mensch gar nicht anders handeln.“

„Das ist ja gelebt, um Gottes Willen!“
Das Bild geht damit weit über eine blosse Darstellung der Kreuzigung Christi hinaus. Es spricht vom Künstler selber. Und es fragt indirekt auch den Betrachter: „Was ist mit dir? Siehst du dich selber auch als Mit-Täter oder gehst du auf vornehme, vielleicht ästhetische Distanz zum Gekreuzigten?“ Meiner Meinung nach schafft das Bild den direkten Sprung von der Kunst in die Glaubens-Existenz. Drei Jahrhunderte später schreibt die Schriftstellerin Elisabeth Langgässer an ihren Kollegen Alfred Döblin: “Den  ‘unsterblichen  Menschen’  habe ich in 2 Tagen (und halben Nächten) gelesen und gleich wieder von vorn angefangen. Dieses Buch wird in Berlin die  literarischen Kreise zum Sieden, Toben und Rasen bringen. Dass Einer (der früher Einer von ihnen war) vor dem Kreuz niederfällt  und  anbetet, mag noch angehen…dass  aber  ein  solcher  Geist  seine Konversion  nicht  in ästhetischen Kategorien vollzieht, sondern zuletzt hinkniet wie ein alter Bauer – etwas schwerfällig, mit  steifen  Knien  ­und  auch so betet: “Seele  Christi,  heilige  mich. Blut Christi, tränke mich -” das darf nicht sein, denn das ist ja gelebt, um  Gottes willen! Das ist Zeugnis ! Das ist ganz einfach die persönlich erlebte und begrenzte Wahrheit eines Mannes, der schrecklicherweise  noch dazu Döblin heisst. Welch eine Katastrophe !” **

Kunst und Leben
Wie Döblin tritt Zurbarán aus den rein ästhetischen Kategorien heraus. Man könnte auch sagen: Er öffnet in der „Glasglocke der Kunst-Welt“ eine Tür zur „wirklichen Welt“. Wir alle merken, dass die Kunst-Szene oft so etwas eine Glasglocke ist, die Leben nicht nur in grossartiger Weise darstellen, sondern zwischen „Leben“ und „Kunst“ auch eine Trennwand schieben kann. Kunst sublimiert dann Existenz in einen rein ästhetischen Bereich hinein und hält im schlimmsten Fall Künstler und Kunst-Freunde vom „wirklichen“ Leben (und Glauben) ab.
So ist es gut, wenn sich jeder Künstler immer wieder fragt: Wo findet mein Leben statt – in der Kunst oder auch ausserhalb? Wo habe ich noch Zugang zum Glauben – nur in der Kunst oder auch im wirklichen Leben? Und ringe ich mit Gottes Hilfe darum, dass meine Kunst auch existentielle Fragen des Lebens und des Glaubens anspricht und zum „persönlichen Erleben“ ermutigt?

* Die Ausführungen des Kunstwissenschaftlers Christof L.Diedrichs sind höchst hilfreich: LINK
** Alfred Döblin hatte sich soeben in seinem Buch „Der unsterbliche Mensch“ mit  einem  alten  lateinischen  Gebet  (Anima  Christi, sanctifica me…) zum christlichen Glauben bekannt. Zu Döblin siehe auch TUNE IN 158: LINK   

Text: Beat Rink

Bild: Francisco de Zurbarán, Der Gekreuzigte und der Maler, um 1655/60; Madrid, Museo Nacional del Prado

ENGLISH

Ways out of isolation  
An astonishing number of artists feel isolated as Christians, whether in the culture world (because they are Christians) or in the churches (because they are artists). I am still busy with thoughts arising from a musicians’ project in St. Petersburg which ended with a large-scale sacred concert last Sunday and where we discussed precisely this topic. It was impressive that numerous musicians from all over Russia and from neighbouring countries travelled to play in the orchestra and, above all, to experience Christian fellowship as musicians. The need for fellowship is great!

No simple solutions
Where we feel isolated as Christians, there is a danger that we choose simple solutions and follow the path of least resistance. Either we leave our Christian identity in the cloakroom on entering the “world” (that is, the music academy, the acting school, the arts university or the opera), or we are centred entirely on the church. Yes, there are reasonable arguments why one can distance oneself from churches as an artist (e.g. lack of understanding for art and artists), and also many reasons why one should distance oneself from the culture world (e.g. what the Bible calls “the world”, = a self-oriented sphere far from God). But resolving the tension by going towards one side or the other means giving up the opposite area. That would be too simple and, furthermore, fatal.

The Kingdom of God
Jesus expects of us that we remain in the world. He speaks of the Kingdom of God, which is larger than the church and which influences the world. In John 3:16 and 17, it becomes clear that God does not give up on the world (17: “For God did not send his Son into the world to condemn the world, but to save the world through him” /17.) This means that Christians are quite definitely important in the culture world as well. And just as Jesus not only speaks about the Kingdom of God, but also truly brings it close, we should likewise ask for signs of the Kingdom of God in the culture world and provide some ourselves. If we imagine the Kingdom of God as a circle stretched out over church and world and connecting both areas, believing artists, although they may still be caught between both, are no longer torn apart.

Solitaire? Solidaire!
Now, this does not mean that we will never again be subjected to forces threatening to pull us apart. But because the Kingdom of God will be shaped by persons who remain in the church and in close contact with other Christians who share the same vision, we are no longer completely isolated. In the context of his existentialist thinking, Albert Camus (1913-1960) coined this neat formula: solitaire (=isolated) – solidaire (=in solidarity). Adapting it for our topic, we can say there must be places in which believing artists, who often feel alone between art and church, come together. For concert projects such as in St. Petersburg. Or for special conferences (such as those in Augsburg and Birmingham in June – LINK). An important feature is accessibility for all, i.e. not only for Christians. A distinguishing feature of the Crescendo Summer Institutes (in South Africa LINK in April and in Hungary in August – LINK) is their great openness for everyone.

Simple concrete steps
Coming together at a local level can also counteract isolation. Everyone can do something here! In a university of the arts, for example, in the theatre, in an orchestra music school… What then often happens, in a surprising way, is what Jesus promises for the Kingdom of God: from one grain of mustard, there grows up, in the middle of the (culture) “world”, a tree in which the birds of the air can nest. Birds which otherwise fly around isolated and have no place where they belong.

Send us your thoughts and describe your experiences. We would also be happy to send you guidelines for starting a local initiative and we provide supervision. (info@crescendo.org)  

Text: Beat Rink
Translation: Bill Buchanan

DEUTSCH

Wege aus der Isolation  
Es gibt erstaunlich viele Künstler, die sich als Christen isoliert fühlen: sowohl in der Kulturwelt (weil sie Christen sind) als auch in den Kirchen (weil sie Künstler sind). Ich stehe noch unter dem Eindruck eines Musikerprojekts in St.Petersburg, das am vergangenen Sonntag in einem grossen geistlichen Konzert seinen Abschluss gefunden hat, und wo wir auch über genau dieses Thema diskutierten. Eindrücklich war, dass zahlreiche Musiker aus ganz Russland und aus den benachbarten Ländern angereist kamen, um im Orchester mitzuspielen und vor allem: um eine christliche Musiker-Gemeinschaft zu erleben. Das Bedürfnis nach Gemeinschaft ist stark!

Keine einfachen Lösungen
Wo wir uns als Christen isoliert fühlen, besteht die Gefahr, dass wir einfache Lösungen und den Weg des geringsten Widerstandes wählen. Entweder geben wir unser Christ-Sein beim Betreten der „Welt“ (sprich: der Musikakademie, der Schauspielschule, der Kunsthochschule oder der Oper) an der Garderobe ab oder wir sind nur noch kirchlich gepolt. Ja, es gibt nachvollziehbare Argumente, weshalb man sich als Künstler von Kirchen distanzieren kann (z.B. mangelndes Verständnis für Kunst und Künstler) und auch viele Gründe, weshalb man Abstand von der Kulturwelt nehmen sollte (z.B. das, was die Bibel „Welt“ = selbstbezogene, gottferne Sphäre nennt). Die Spannung nach der einen oder nach der anderen Seite hin auflösen hiesse aber, den jeweils anderen Bereich aufgeben. Das wäre zu einfach und überdies fatal.

Das Reich Gottes
Jesus mutet uns zu, mitten in der Welt zu bleiben. Er spricht vom Reich Gottes, das grösser als die Kirche ist und das die Welt hineinwirkt. In Johannes 3, 16 und 17 wird deutlich, dass Gott die Welt nicht aufgibt (“Denn Gott hat seinen Sohn nicht in die Welt gesandt, damit er die Welt richte, sondern damit die Welt durch ihn gerettet werde” Vers 17). Das heisst, dass Christen gerade in der Kulturwelt wichtig sind. Und wie Jesus vom Reich Gottes nicht nur redet, sondern es uns wirklich nahebringt, so sollen auch wir in der Kulturwelt Zeichen des Reiches Gottes erbitten und selber setzen. Stellen wir uns das Reich Gottes als Kreis vor, der sich über Kirche und Welt spannt und beide Bereiche verbindet, so sind glaubende Künstler zwar immer noch dazwischen, aber nicht mehr zerrissen.

Solitaire? Solidaire!
Dies heisst nun nicht, dass es gar keine Zerreissproben mehr gibt. Aber weil das Reich Gottes Gestalt annehmen will durch Menschen, die in der Kirche bleiben und die sich mit anderen Christen zusammenschliessen, die dieselbe Vision teilen, sind wir nicht mehr völlig isoliert. Albert Camus (1923-1960) hat im Kontext seines existenzialphilophischen Denkens die schöne Formel geprägt: Solitaire (=isoliert) – solidaire (=solidarisch). Umgemünzt auf unser Thema: Es muss Orte geben, an denen glaubende Künstler, die sich zwischen Kunst und Kirche oft allein fühlen, zusammenkommen. Zu Konzertprojekten wie in St.Petersburg. Oder zu speziellen Konferenzen (wie im Juni in Augsburg und in Birmingham – siehe LINK). Wichtig ist auch die Zugänglichkeit für alle, d.h. nicht nur für Christen. Zum Beispiel zeichnen sich die Crescendo-Sommerinstitute (im April in Südafrika LINK und im August Ungarn LINK) durch eine grosse Offenheit für Alle aus.

Einfache konkrete Schritte
Auch lokale Zusammenschlüsse auf lokaler Ebene wirken der Isolation entgegen. Jeder kann damit beginnen! Zum Beispiel in einer Hochschule der Künste, in einem Theater, in einem Orchester, in der Musikschule… Oft geschieht dann auf überraschende Weise, was Jesus für das Reich Gottes verheisst: Aus einem Senfkorn wächst mitten in der (Kultur-)„Welt“ ein Baum, in dem Vögel nisten. Vögel, die sonst isoliert umherfliegen und keine Heimat finden würden.

Schickt uns eure Gedanken und Erfahrungsberichte zu. Wir senden euch auch gern eine Anleitung zum Start einer lokalen Initiative und bieten Supervision an. (info@crescendo.org)  

Text: Beat Rink

ENGLISH

Protogenes’ Sponge, Titian’s Paintbrush…
In their book “The Legend of the Artist”, published in 1934, the authors Ernst Kris and Otto Kurz show, with a fascinating plethora of anecdotes, how numerous legends grow up around artists.
Some examples:
The ancient painter Protogenes attempted to depict a dog foaming at the mouth. He could not get it right. Angrily, he threw the sponge at the canvas. And behold: suddenly he had the most perfect depiction of foam.
Or: When visiting Titian’s studio, Emperor Charles V noticed the painter’s paintbrush falling to the ground. He quickly bent down and picked it up.
The painter Hans Holbein, on the other hand, was less polite in his behaviour towards a nobleman: in an argument, he threw a Count, who wanted to gain access to the studio and, above all, to the woman who was sitting as a model, down the stairs. The King, when he heard of this, defended Holbein with these words: “In one day I can make Counts out of seven peasants, but cannot make a single Holbein out of seven Counts.”

What do these stories have in common?
They are all constituents of ideas and images of artists and art that have been existed for centuries and are passed on from generation to generation. In all the examples given, the theme is something “special” that surrounds the artist and his work: even chance helps with the work. And the artist is placed above secular authority and is even admired by King and Emperor.

“I cannot be happy! My life should be less orderly!”
What Kris and Otto show us is a little different: the image of the artist becomes so dominant in some cases that the artists take their orientation from it and lead their lives accordingly. Michelangelo was the first to be called “Il Divino” [“The Divine”]. Since then, the attribute “divine” has being used above all for prima donnas – and this is how the “Diva” came into being: a leading lady who not only sings divinely, but also behaves like a goddess.
Our whole culture is permeated by images and ideas of what artists are and how they must be. And that leads to this question: How do these images influence our activity and life as artists? Do they spur us on? – Good! Are they a burden and a straitjacket? – Bad! The experience of many artists is that images projected onto them by others limit them and inhibit them in their development – and that this imprint leaves its traces throughout their lives.
To demonstrate this with another example: Some great art originates in moments of despair and when life is in disorder. So the artist who wants to create something great imagines “I cannot be happy and light-hearted. My life should be less orderly!”

A curious error 
An experience last week was almost like a parable for me, as I opened up a sociological book I had ordered by post. It had the title “The Modern Artist”. Full of expectation, I wanted to get started. But there was something completely different inside it. Strange: the title and the contents did not match at all! A curious error during printing, as the publisher explained in reply to my enquiry. In so many cases, the title “modern artist” does not match the real content of our lives. In so many cases, we feel we have to live up to a “legend of an artist” and thus fulfill the strange expectations of others. This then creates compulsions and inhibits creativity. But we are called to become what God has created and called us to be!

How do we become free?
A starting point could be acting on Romans 12,2, where we read: “Do not conform any longer to the pattern of this world, but be transformed by the renewing of your mind. Then you will be able to test and approve what God’s will is – His good, pleasing and perfect will.”
Paul recommends to us that we reflect on the world (including images projected on us by others) and that we find a new way of thinking oriented on God and His will. Let us reflect on what God wants to give us and let us be changed by that (which is ultimately only possible with the help of the Only Spirit), and then the old images will lose their power more and more. We, conversely, gain freedom and a consciousness, given by God, of our individual calling. And also new joy in being an artist!

Perhaps we could write down on a piece of paper the images of an artist which still influence us negatively, and what we can do against this in the sense of Romans 12,2.

Text: Beat Rink
Translation: Bill Buchanan

DEUTSCH

Der Schwamm des Protogenes, der Pinsel Tizians…
In ihrem 1934 erschienen Buch “Die Legende vom Künstler” belegen die Autoren Ernst Kris und Otto Kurz anhand einer faszinierenden Fülle von Anekdoten, wie sich um Künstler zahlreiche Legenden ranken.
Einige Beispiele:
Der antike Maler Protogenes versuchte, einen keuchenden Hund mit Schaum vor dem Maul darzustellen. Es gelang ihm nicht. Wütend warf er den Schwamm nach der Leinwand. Und siehe da: Auf einmal ergab sich das perfekteste Bild von Schaum.
Oder: Beim Besuch des Ateliers von Tizian bemerkte Kaiser Karl V., wie dem Maler der Pinsel herunterfiel. Schnell bückte er sich und hob den Pinsel auf.
Der Maler Hans Holbein hingegen benahm sich einem Adligen gegenüber weniger vornehm: In einem Streit warf er einen Grafen, der sich Zugang zum Atelier und vor allem zur Modell sitzenden Dame verschaffen wollte, die Treppe hinunter. Der König, als er davon erfuhr, verteidigte Holbein mit den Worten: „Ich kann an einem einzigen Tag aus sieben Bauern Grafen machen, aber aus sieben Grafen keinen Holbein.“

Was haben diese Geschichten gemeinsam?
Sie sind alle Teil von Ideen und Bildern, die seit Jahrhunderten von Künstlern und Kunst bestehen und von Generation zu Generation weiter gereicht werden. In allen genannten Beispielen geht es um etwas „Besonderes“, das das Kunstwerk und den Künstler umgibt: Selbst der Zufall hilft beim Kunstwerk mit. Und: Der Künstler steht über der weltlichen Macht und wird sogar von König und Kaiser bewundert.

“Ich darf nicht glücklich sein! Mein Leben ist zu ordentlich!”
Was Kris und Otto darlegen, ist noch etwas Anderes: Die Künstler-Bilder werden zum Teil so dominant, dass sich die Künstler daran ausrichten und ihr Leben danach gestalten. Michelangelo war der erste, der „Il Divino“ genannt wurde. Seither wurde das Attribut „göttlich“ vor allem für Primadonnen gebraucht – und so entstand die „Diva“: die Sängerin, die nicht nur göttlich singt, sondern sich auch wie eine Göttin aufführt.
Unsere ganze Kultur ist von Bildern und Ideen durchdrungen, was ein Künstler ist und wie er zu sein hat. Und nun stellt sich die Frage: Wie prägen diese Bilder unser Wirken und Leben als Künstler? Sind sie uns ein Ansporn: gut! Sind sie uns eine Last und eine Zwangsjacke: schlecht! Viele Künstler erleben, wie Fremd-Bilder sie einschränken und in ihrer Entfaltung hemmen. Und wie sie ihr ganzes Leben prägen. Um dies an einem anderen Beispiel zu verdeutlichen. Manch grosse Kunst entspringt verzweifelten Momenten und ungeordneten Lebensumständen. Also denkt der Künstler, der Grosses schaffen will: „Ich darf nicht glücklich und fröhlich sein. Mein Leben sollte weniger geordnet sein!“

Ein seltsamer Druckfehler
Fast gleichnishaft für mich war jener Moment, als ich letzte Woche ein soziologisches Buch aufschlug, das ich per Post bestellt hatte. Es trägt den Titel „Der moderne Künstler“. Erwartungsfroh wollte ich darin lesen. Aber da stand etwas ganz Anderes drin. Seltsam: Titel und Inhalt stimmten überhaupt nicht überein! Ein seltsamer Fehler beim Druckvorgang, wie mir der Verlag auf meine Frage hin schrieb. So oft stimmt der Titel „moderner Künstler“ nicht mit dem wirklichen Inhalt unseres Lebens überein. So oft meinen wir, einer „Künstler-Legende“ und damit seltsamen Fremderwartungen entsprechen zu müssen. Das erzeugt dann Zwänge und hemmt die Kreativität.  Aber wir sind dazu berufen, das zu werden, wozu Gott uns geschaffen und berufen hat!

Wie frei werden?
Ein Anfang könnte die Umsetzung von Römer 12,2 sein. Hier lesen wir: „Und gleicht euch nicht dieser Welt an, sondern lasst euch verwandeln durch die Erneuerung des Denkens, damit ihr prüfen und erkennen könnt, was der Wille Gottes ist: das Gute, Wohlgefällige und Vollkommene!“ Paulus empfiehlt das Nachdenken über die Welt (mitsamt der Fremd-Bilder) und ein Neu-Denken, das sich an Gott und seinem Willen ausrichtet. Denken wir darüber nach, was Gott schenken will und lassen wir uns dadurch verwandeln (was letztlich nur mit der Hilfe des Heiligen Geistes möglich ist), dann verlieren die alten Bilder mehr und mehr an Macht. Wir hingegen gewinnen eine Freiheit und ein von Gott geschenktes Bewusstsein unserer individuellen Berufung. Und auch neue Freude am Künstler-Sein!

Vielleicht schrieben wir uns einmal auf einem Blatt Papier auf, welche Künstler-Bilder uns noch negativ prägen und was wir diesen gemäss Römer 12,2 entgegensetzen können.  

Text: Beat Rink

ENGLISH

“With Lissa in church. Couldn’t pray. The solemn official language of the church sounded foreign. Artificial vocabulary. Do the faithful believe that God only hears them when they pray, that he has no idea about the words that they otherwise think and say? … My life can no longer be fitted into the language of prayer. I can no longer twist myself into that shape. I inherited God with these formulas, but now I am losing him through these formulas. We make him into a magical Privy Councillor and accept his eccentric use of language because God belongs to yesterday anyway.”

These lines are from the novel “Half-Time” (1960) by the great German author Martin Walser (*1927). They summarise the language problem of many churches. Or is there a theological problem behind it because there is a barrier between our everyday lives and God?
It is true that much has changed since 1960. New churches have come into being in which one prays to God more directly, sometimes almost as a “buddy”. But even in the new churches (as in the still existing old ones) there are linguistic and musical forms and formulas which can easily place themselves between us and God. Perhaps the buddy-style phrases are no less artificial and foreign in their effect than the old-fashioned ones.
It is an important task of art to constantly free language (and other aesthetic formulas) from “the artificial” and to give expression to those words and feelings which we otherwise think, say and feel – to take up Martin Walser’s thoughts and continue them. In the language of prayer, theological word-artists are called for. Here, the simple often proves to be the convincing and genuine. An example is the following prayer for the beginning of the year by the theologian Helmut Gollwitzer (1908-1993):

“Once again, you are letting us start a new year, despite all the disappointments we caused you last year. We ask you: let your blessing be on whatever we have in the way of good resolutions and plans! Let whatever is not according to your will fail, and give us the insight to see that it is good that it has failed! Let it be a year of changing direction, changing from no faith and small faith to faith, from fear to trust in you, from disobedience to listening to your will and to doing your will! Lord, have mercy on us!”

Text: Beat Rink
Translation: Bill Buchanan

DEUTSCH

“Mit Lissa in der Kirche. Konnte nicht beten. Die feierliche Amtssprache der Kirche klang fremd. Kunstgewerbe-Vokabular. Glauben die Frommen, Gott höre sie nur, wenn sie beten, er habe keine Ahnung von den Worten, die sie sonst denken und sagen? … Mein Leben ist in der Gebetssprache nicht mehr unterzubringen. Ich kann mich nicht mehr so verrenken. Ich habe Gott mit diesen Formeln geerbt, aber jetzt verliere ich ihn durch diese Formeln. Man macht einen magischen Geheimrat aus ihm, dessen verschrobenen Sprachgebrauch man annimmt, weil Gott ja von gestern ist.”

Die Sätze stammen aus dem 1960 erschienenen Roman „Halbzeit“ des grossen deutschen Schriftstellers Martin Walser (*1927). Sie bringen das Sprachproblem vieler Kirchen auf den Punkt. Oder ist es ein dahinter liegendes theologisches Problem, weil es zwischen unserem Alltag und Gott eine Barriere gibt?
Seit 1960 hat sich zwar Vieles gewandelt. Neue Kirchen sind entstanden, in denen man direkter,  manchmal fast kumpelhaft zu Gott betet. Aber auch in den neuen Kirchen (wie in den immer noch bestehenden alten) gibt es sprachliche sowie musikalische Formen und Formeln, die sich leicht zwischen uns und Gott schieben können. Vielleicht wirken sogar die kumpelhaften nicht weniger gekünstelt und fremd wie die altmodischen.
Es ist eine wichtige Aufgabe der Kunst, die Sprache (und andere ästhetische Formeln) immer wieder von „Gekünsteltem“ zu befreien und jenen Worten und Empfindungen Ausdruck zu geben, die wir sonst denken, sagen und fühlen, um Martin Walsers Gedanken aufzugreifen und fortzuführen.
In der Gebetssprache sind die theologischen Wort-Künstler gefragt. Oft erweist sich hier das Schlichte als das Überzeugende und Echte. So im folgenden Gebet des Theologen Helmut Gollwitzer (1908-1993) zum Jahresanfang:

„Wieder lässt du uns ein neues Jahr anfangen, trotz aller Enttäuschungen, die wir dir im vergangenen Jahr bereitet haben. Wir nehmen das als ein Zeichen deiner Vergebung, wir danken dir dafür. Wir bitten dich: Was wir an guten Vorsätzen und Plänen haben, das  lass gesegnet sein!  Was nicht in deinem Sinne ist, dass lass  scheitern, und gibt uns die Einsicht, dass es gut ist, wenn es scheitert! Lass es ein Jahr der Umkehr sein, der Umkehr vom Unglauben und Kleinglauben zum Glauben, von der Angst zum Vertrauen auf dich, vom Ungehorsam zum Hören auf deinen Willen und zum Tun deines Willens! Herr, erbarme dich unser!“

Text: Beat Rink